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Sara Sahores: Los lugares imposibles
Escrito por Carolina Zemma

Hay lugares que no se visitan, sino que se ven. Lugares que no se habitan, sino que circulan. En el trabajo de Sara Sahores (n. 1998, Buenos Aires, Argentina), reunido en la exposición The Impossible Places en ASC Gallery de Londres y curado por la historiadora del arte argentina Mora Pranteda, el paisaje deja de ser una experiencia directa para convertirse en una imagen mediada y abierta a la libre interpretación.

La muestra marca la primera exposición individual de Sahores en el Reino Unido tras haber recibido el ASC Award en 2025. Tanto artista como curadora son argentinas radicadas en Londres, donde desarrollan actualmente sus prácticas dentro de la escena artística contemporánea. La exposición reúne un nuevo conjunto de trabajos que exploran la incertidumbre a través de distintas configuraciones del paisaje.

Lo “imposible” de los espacios presentados por la artista en sus imágenes, no se refiere únicamente a su inaccesibilidad física. Tampoco se trata simplemente de territorios lejanos o fuera de alcance. Los lugares que Sahores construye son imposibles en un sentido más preciso: son imágenes que se originan en la distancia, en la ausencia de la artista respecto de ellos, y en la decisión consciente de trabajar desde esa distancia sin intentar resolverla.

Son lugares que no han sido visitados, y que por lo tanto no pueden sostenerse como registro, sino únicamente como construcción.

Las imágenes que componen la muestra parten de capturas de pantalla obtenidas de cámaras de vigilancia y transmisiones en vivo disponibles públicamente. Desde volcanes en erupción en algún rincón de Hawaii hasta tomas borrosas de castillos perdidos, estos materiales, que en principio pertenecen a sistemas de observación remota, son apropiados y transformados en nuevas piezas mediante procesos de impresión. En este gesto hay una decisión fundamental: no se trata de producir imágenes propias desde el desplazamiento físico, sino de operar sobre imágenes existentes, circulantes, disponibles, que no pertenecen a la artista pero que pueden ser reactivadas desde otro lugar.

En este sentido, el trabajo no se organiza alrededor de la vigilancia como tema, sino alrededor de la circulación de la imagen y sus condiciones de posibilidad. Lo que está en juego no es tanto quién observa o qué se observa, sino cómo una imagen que no ha sido producida por la experiencia directa puede, sin embargo, ser reconfigurada, apropiada y transformada en otra cosa. El gesto de Sahores no es el de la captura, sino el de la relectura material de imágenes ya dadas.

El título de la exposición, The Impossible Places, condensa esta tensión. Los lugares son imposibles no solo porque la artista no ha estado allí, sino porque su acceso está mediado por sistemas que ya han producido una versión del mundo antes de cualquier experiencia individual. Son imágenes que existen antes del encuentro, y que, por lo tanto, desplazan la idea de presencia como condición de verdad.

Esta lógica se inscribe en una forma contemporánea de relación con las imágenes. Para una generación que ha crecido rodeada de representaciones de lugares inaccesibles, desde Google Street View explorado como juego, hasta películas pirateadas grabadas en salas de cine donde la imagen incluye su propio contexto de circulación clandestina, la experiencia del mundo ya no depende exclusivamente de la presencia física. La imagen llega antes que el lugar, y muchas veces lo sustituye.

En este marco, el trabajo de Sahores no se sitúa en una posición nostálgica respecto de la experiencia directa, sino que asume plenamente esta condición. En lugar de rechazarla, la activa. Las limitaciones del acceso no funcionan como obstáculo, sino como punto de partida. No poder estar allí no es una falta, sino una condición productiva desde la cual se abre otra forma de relación con la imagen.

El proceso de screenprinting juega aquí un rol central. Las imágenes provenientes de cámaras de baja resolución son transformadas en superficies donde el pixel deja de ser dato para convertirse en materia. No hay un intento de restaurar la claridad perdida de la imagen digital, sino de insistir en su opacidad. La impresión no corrige la imagen: la desplaza. En ese desplazamiento, la fotografía se acerca a la pintura, no en términos de estilo, sino en términos de superficie y densidad material.

Lo que emerge es un espacio visual en el que la imagen ya no funciona como ventana, sino como cuerpo. Un cuerpo inestable, atravesado por capas de traducción entre lo digital y lo analógico, entre lo técnico y lo manual. La imagen deja de ser transparente para volverse opaca, ambigua, abierta a múltiples lecturas. En este sentido, el trabajo no busca resolver la incertidumbre, sino sostenerla.

Esta condición se refuerza en la relación entre imagen y título. Las obras no mantienen una correspondencia literal con los lugares que supuestamente representan. Esa falta de coincidencia introduce una distancia adicional entre lo visto y lo nombrado. El espectador no puede resolver la imagen en una referencia estable, sino que queda suspendido en una zona de interpretación. ¿Dónde está esto? ¿Qué lugar es este? ¿Importa realmente poder identificarlo?

La respuesta parece ser negativa. La identificación no es el objetivo. De hecho, el sentido del trabajo emerge precisamente en esa imposibilidad de reconocimiento pleno. Las imágenes no están diseñadas para ser descifradas, sino para permanecer parcialmente abiertas.

En este punto, el marco metálico que acompaña muchas de las piezas y que es un recurso recurrente en la producción de la artista, introduce otra capa de lectura. Su presencia no es neutra. Aporta una estructura fría, precisa, concreta, casi maquínica, que contrasta con la ambigüedad visual de las imágenes. Sin embargo, esta frialdad no elimina la dimensión sensible del trabajo, sino que la complejiza. En un experimento cuasi cyborg, lo maquínico no sustituye a lo humano; lo acompaña.

En ese equilibrio inestable, las imágenes parecen situarse en un espacio intermedio. No son completamente digitales ni completamente analógicas. No son registros ni pinturas. No son propias ni ajenas. Funcionan más bien como zonas de transición, donde distintos sistemas de producción de imagen se cruzan sin resolverse.

Quizás allí radique una de las tensiones más interesantes del trabajo: en la posibilidad de tomar imágenes que han quedado tradicionalmente en los márgenes. Imágenes de baja resolución, capturas accidentales, registros no autorizados o no pensados para ser vistos como arte reciben un tiempo y una atención que normalmente les es negada. No se trata de elevarlas a otra categoría, sino de permitirles existir en otro régimen de percepción.

En este sentido, The Impossible Places no propone un cierre ni una definición estable de lo que es un lugar o una imagen. Más bien insiste en lo contrario: en la necesidad de permanecer en un estado de interpretación continua. Las imágenes no ofrecen respuestas, sino condiciones para seguir pensando cómo vemos, desde dónde vemos y qué hacemos con lo que vemos.

Resulta significativo que una exposición dedicada a pensar imágenes producidas desde la distancia tenga lugar a través de la colaboración entre dos argentinas radicadas en Londres. Sin convertir la migración en tema explícito, The Impossible Places parece resonar con ciertas experiencias contemporáneas de desplazamiento, donde la relación con los lugares está inevitablemente mediada por imágenes, recuerdos y formas parciales de acceso.

En su obra, Sara Sahores activa la posibilidad de que las imágenes sean tratadas como lugares en construcción. Lugares que no preexisten al acto de mirarlos, sino que se forman en el cruce entre circulación, apropiación y transformación. En ese cruce, el lugar deja de ser un destino y se convierte en una operación. Y la imagen, lejos de ser una prueba de realidad, se vuelve un espacio donde lo real se ensaya, se distorsiona y se reinventa constantemente.

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